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À Châtillon-sur-Chalaronne, une poignée de passionné·e·s a refusé que le spectacle vivant ne soit qu’une carte postale de plus dans l’histoire locale. En 1987, après des années de tâtonnements, d’ateliers et de coups de génie, la commune a fait naître un événement culturel singulier : un festival de théâtre contemporain amateur capable de bousculer les habitudes, de décloisonner les disciplines et d’inviter le public à entrer dans la fabrique de l’art dramatique. Dans les coulisses, on retrouve des figures comme Catherine Dumas, arrivée en 1983 par un stage « réalisation » estampillé Jeunesse et Sports, épaulée par un régisseur et une costumière, au milieu d’affiches froissées et de maquettes de décors. Les années 1980 ont vu s’y construire une ambition simple et vertigineuse : rapprocher les troupes des autrices et auteurs, faire circuler des textes de qualité et inventer de nouvelles manières de répéter sous le regard des spectateurs.
Trente-huit éditions plus tard, ce souffle ne s’est pas éteint : il s’est élargi, densifié, partagé. L’édition « 38 », qui s’est tenue du 13 au 17 mai, a confirmé la vocation d’une ville décidée à se faire « Avignon du théâtre amateur ». Et à l’heure où 2026 prépare la quarantième bougie, les mémoires se croisent : la lecture d’un texte de Christian Palustran, un concert rock perché dans l’enceinte du château, un atelier de répétition devenu ancêtre des masterclass, ou encore une rencontre fortuite entre une troupe et un auteur qui fera basculer un projet de graduation en succès national. Le récit qui suit n’est pas un album souvenir : c’est une boîte à outils, un guide sensible pour comprendre comment une petite cité de Dombes a accouché d’un grand rendez-vous du théâtre contemporain amateur.
Sommaire
Aux sources à Châtillon-sur-Chalaronne : jeunesse, éducation populaire et déclic fondateur
L’origine du festival a la simplicité des choses qui semblent aller de soi… après coup. En 1983, Catherine Dumas pose ses valises à Châtillon-sur-Chalaronne grâce à un stage « réalisation » coordonné par Jeunesse et Sports et animé par Michel Véricel, avec la présence complice d’un régisseur et d’une costumière, M. et Mme Lassalle. Ce trio apprend aux jeunes à regarder la scène comme un écosystème : la lumière n’est pas un gadget, un costume raconte, un accessoire déplace l’attention. L’année suivante, à 19 ans, Catherine décroche un poste de jeune volontaire au centre d’animation, missionnée pour stimuler la culture et tisser du lien par l’éducation populaire.
Très vite, elle rencontre Colette Maré et Anne Rimaud. Ensemble, elles inaugurent une méthode qui deviendra l’ADN de la commune en matière de spectacle vivant : aller vers, plutôt que d’attendre. Aller vers les établissements scolaires pour penser des expositions collaboratives ; aller vers l’ailleurs, avec un échange fondateur avec la Côte d’Ivoire qui décentre les regards ; aller vers les réseaux existants, à l’image des Foyers ruraux qui tenaient leurs rencontres théâtrales au centre culturel. Chaque rencontre ajoute une brique à un édifice dont on ignore encore la forme, mais dont on comprend qu’il abritera un jour de grandes traversées artistiques.
Le déclic, lui, a l’allure d’une contrariété productive. Les trois complices constatent, médusées, le décalage entre des décors somptueux, parfois coûteux, et la pauvreté de certains textes joués par des troupes amateurs. Pourquoi se battre pour réussir une fresque peinte à la perfection si l’histoire qu’elle encadre peine à exister ? La question devient moteur. Il faut réconcilier exigence dramaturgique et plaisir du jeu, accompagner les compagnies vers des écritures qui leur parlent sans les réduire. Pour y parvenir, Colette active le réseau Jeunesse et Sports, sollicite la Fédération du théâtre amateur, et met en branle une chaîne d’entraide pour faire circuler de meilleurs textes, rencontrer des autrices et des auteurs et s’orienter dans l’immense forêt de l’édition dramatique.
De là naît une vision : inventer un rendez-vous où l’on ne se contente pas de montrer, mais où l’on apprend ensemble. L’idée d’un événement culturel ancré dans l’histoire locale, et suffisamment perméable pour accueillir les esthétiques d’ailleurs, s’impose. Loin d’un salon d’apparat, plutôt un laboratoire respirant à ciel ouvert. Les troupes y découvriraient des textes méconnus, expérimenteraient des formes de répétitions publiques, et croiseraient des métiers de l’ombre souvent ignorés, comme la régie ou la confection textile scénique. On comprend alors que la genèse du festival n’est pas un miracle : c’est une stratégie patiente, artisanale et joyeusement têtue.
Les ingrédients qui ont tout changé
La recette initiale tient en quelques choix clairs, posés sans naïveté et avec une bonne dose de panache.
- Réseau : activer Jeunesse et Sports, la Fédération du théâtre amateur, les Foyers ruraux et les établissements scolaires.
- Exigence de texte : passer du décor-vedette à l’art dramatique comme colonne vertébrale.
- Immersion : faire du public un hôte, pas un figurant.
- Transmission : ateliers, lectures, et répétitions ouvertes plutôt que seules représentations.
Cette matrice, posée au milieu des années 1980, permettra au premier rendez-vous de 1987 d’affirmer une personnalité redoutablement claire. Bref : un festival pensé comme un organisme vivant, à l’écoute de ses troupes et en dialogue constant avec son territoire.
1987, année manifeste : un premier festival éclectique qui change la donne
Quand s’ouvre, en 1987, le premier festival de théâtre contemporain amateur de la Dombes, la couleur est annoncée : la programmation refuse la chapelle unique. Du théâtre, bien sûr, mais aussi de la danse, et même un concert rock dans l’écrin du château. Sur scène, une lecture d’un texte de Christian Palustran réveille l’envie de mots ciselés, tandis qu’un « travail de répétition » se déroule en public, à la manière des masterclass d’aujourd’hui. La salle découvre qu’un spectacle se fabrique, qu’un changement d’intonation peut transformer une réplique, que la dramaturgie n’est pas un secret d’initié.
« Révolution » n’est pas un mot trop fort. Les troupes amateurs rencontrent des autrices et des auteurs sans protocole pesant. Une conversation au bar du centre culturel devient parfois l’étincelle d’un futur projet. On raconte qu’une compagnie, après une discussion improvisée avec un auteur invité, a reconfiguré son calendrier de l’année pour monter un texte court aperçu lors d’une lecture, devenu depuis un classique de son répertoire. Voilà comment une commune fait naître des carrières d’objets théâtraux : en simplifiant la distance, en offrant des frictions fécondes.
Frise sélective des moments-pivots
Du point de départ à la maturité actuelle, quelques balises dessinent la trajectoire collective. Le tableau ci-dessous, sans exhaustivité, met en perspective l’ascension discrète et sûre d’un événement culturel qui a appris à grandir sans perdre son âme.
| Année | Édition | Particularité marquante | Lieu emblématique |
|---|---|---|---|
| 1987 | 1 | Lecture de Palustran et répétition ouverte, concert rock au château | Château de Châtillon |
| 1995 | 9 | Élargissement aux ateliers d’écriture dirigés par des auteur·rices invité·es | Centre culturel |
| 2006 | 20 | Parcours in situ dans la halle médiévale, exploration du patrimoine | Halle médiévale |
| 2016 | 30 | Focus sur le théâtre documentaire et les formes courtes | Rues du bourg |
| 2024 | 38 | Retour aux sources : lectures, rencontres auteurs-troupes, 13–17 mai | Multiples sites |
| 2026 | 40 | Cap symbolique des 40 ans, transmission intergénérationnelle | Ville entière |
Ce cheminement n’a rien d’une ligne droite. Des pauses, des accélérations, des paris gagnés et d’autres réajustés ont jalonné l’aventure. Mais l’équilibre « exigence et convivialité » n’a jamais été sacrifié : on vient pour voir, on reste pour parler, on revient pour apprendre.
Cette façon de mettre à nu la fabrication d’un spectacle a aussi un effet pédagogique imparable. Les jeunes participants qui assistaient aux répétitions ouvertes, parfois débarqués d’un atelier scolaire, comprenaient qu’un silence valait autant qu’une tirade, qu’une entrée de lumière pouvait sculpter une scène. L’outil a essaimé : ailleurs en France, des festivals ont repris l’idée. Un signe que Châtillon avait touché juste.
De la Dombes à la référence nationale : Châtillon, l’« Avignon » du théâtre amateur
Le rêve de Gérard Maré – faire de Châtillon-sur-Chalaronne un « Avignon du théâtre amateur » – a trouvé son ancrage dans un mécanisme simple : créer des liens. Lieu de passage des troupes, des autrices et auteurs, et du public, la commune s’est peu à peu équipée d’un rituel d’hospitalité. Les bénévoles connaissent par cœur les raccourcis entre la halle médiévale et les salles, les restauratrices savent qu’un débat peut déborder sur le service, et la ville accepte que pendant quelques jours la vie tourne au rythme des entrées en scène. Le public, lui, ne vient pas seulement « voir ». Il vient vivre une semaine d’art dramatique où la frontière entre plateau et parterre s’affine.
Ce statut de référence se lit dans la qualité des passerelles. Les troupes venues « juste pour regarder » repartent avec une envie de création, un texte en poche, une adresse d’auteur·rice. Les auteurs, parfois un peu intimidés par l’énergie des décors et des costumes, découvrent des interprètes capables de se lancer dans une écriture exigeante. Et les habitantes et habitants qui accompagnent l’accueil comprennent que le spectacle vivant est un bien commun, pas un luxe réservé aux métropoles.
Effet-ricochet régional et au-delà
Le magnétisme de Châtillon n’isole pas : il rayonne sur tout un bassin, jusqu’à Lyon. Pour mesurer l’écosystème, on peut explorer des propositions voisines et complémentaires : idées de sorties avec des festivals et spectacles en mai autour de Lyon, ou encore panoramas dédiés aux scènes émergentes via les festivals de théâtre contemporain en France. Ce réseau de correspondances nourrit la circulation des artistes et du public, encourageant les troupes à jouer ailleurs, à revenir mieux armées, et à confronter leurs formes.
Le public, fidèle et curieux, s’y retrouve grâce à une signalétique claire et à des rendez-vous rituels : cafés-rencontres le matin, lectures de midi, places debout pour les répétitions de fin d’après-midi, et créations en soirée. Le « format Châtillon » est lisible, et les gens aiment ce qu’ils comprennent. Plus on sait comment habiter une journée de festival, plus on ose sortir de sa zone de confort : on tente une lecture performée, on se glisse dans une conférence sensible sur l’écriture de plateau, on discute avec une costumière qui raconte comment une texture de tissu transforme une posture d’acteur.
Pour qui veut plonger dans les repères pratiques et l’actualité historique du rendez-vous, des ressources en ligne existent, à commencer par un guide complet sur le festival de Châtillon. En mettant bout à bout les petits cailloux – billetterie locale, bénévolat, accueil des troupes, cartographie des lieux –, le parcours témoigne d’une chose : la durabilité d’un événement culturel repose moins sur la démesure que sur la cohérence organique.
Châtillon a gagné ce pari : créer un espace où l’exigence ne chasse pas la convivialité. Une ville qui tient son cap, c’est une boussole pour les autres.
Du 38e rendez-vous aux 40 ans : transmissions, nouvelles pratiques et horizon 2026
L’édition « 38 », organisée du 13 au 17 mai, a servi de tremplin mémoriel. Elle a remis la lecture au centre, ravivé les rencontres troupes-auteurs et rappelé que la répétition ouverte reste la meilleure école de regard. Ce retour aux fondations a préparé le terrain pour une étape symbolique : les 40 ans. À l’échelle d’un festival, 40 ans n’est pas un monument figé, c’est une circulation d’expériences. On y voit se croiser des comédien·nes qui ont découvert le théâtre adolescent, devenu·es à leur tour metteur·ses en scène, et des bénévoles qui transmettent leurs tours de main : organiser un plateau technique, composer une feuille de salle claire, modérer un débat sans l’assécher.
Cette maturité s’entend aussi dans la façon de choisir les textes : privilégier des écritures contemporaines accessibles sans être simplistes, maintenir un équilibre entre pièces dialoguées, formes documentaires et créations de plateau. Elle se lit dans la technique : sobriété des moyens, précision des réglages, économie d’effets pour mieux servir le propos. Et elle se perçoit dans les coulisses numériques : diffusion de captations brèves, extraits audio de répétitions, carnets d’équipe qui documentent le processus plutôt que de sur-vendre un résultat.
Pour se projeter dans le prochain cap, les curieux peuvent consulter les informations préparatoires autour de la 40e édition. On y voit poindre des fils rouges : transmission intergénérationnelle, dialogue entre écritures francophones et européennes, et cartographie renouvelée des lieux – avec une attention particulière portée aux espaces « non équipés » qui forcent une créativité scénographique.
Outils et inspirations à l’échelle nationale
Châtillon n’évolue pas en vase clos. Les équipes observent, s’inspirent, partagent avec d’autres lieux. Des scènes plus lointaines, comme Dinan, proposent par exemple des formats complémentaires que l’on peut découvrir via le Théâtre en Rance. Cette circulation des idées permet d’affiner des dispositifs : comment organiser une « lecture éclair » de 20 minutes ? Quelle durée idéale pour une rencontre d’après-spectacle afin d’éviter la conférence déguisée ? Combien de places garder pour les spectateurs de passage ?
En multipliant les passerelles, Châtillon consolide sa place de laboratoire. Les retours d’expérience des troupes confirment que la répétition ouverte reste le meilleur levier de montée en compétence, et que l’équilibre textes-scenography constitue le marqueur de qualité le plus lisible par le public. L’horizon 2026 n’est pas une page blanche : c’est un palimpseste où s’inscrivent quatre décennies d’essais et d’ajustements lucides.
Un modèle duplicable : comment une commune peut faire naître son festival de théâtre contemporain amateur
À celles et ceux qui se demandent « et nous, on fait comment ? », l’expérience de Châtillon-sur-Chalaronne livre un mode d’emploi praticable. On commence petit, on se fixe une colonne vertébrale (les textes), et on considère le public comme un partenaire de création et non un simple guichet. Le reste tient à une discipline du lien : relier les réseaux (écoles, associations, institutions), relier les métiers (jeu, écriture, régie, costumes), relier les temps (répétition et représentation), relier la culture et la vie quotidienne.
Feuille de route opérationnelle
On peut bâtir la trajectoire suivante, qui a fait ses preuves dans la Dombes :
- Cartographier les forces locales : lieux, bénévoles, troupes, partenaires éducatifs.
- Sélectionner une poignée de textes contemporains variés, à explorer en lectures.
- Programmer des répétitions ouvertes courtes, afin de montrer la fabrique scénique.
- Inviter au moins une autrice ou un auteur pour créer un choc de rencontre.
- Ritualiser des temps d’échange conviviaux : cafés-rencontres, bords de plateau agiles.
- Documenter le processus (audio, photos, carnets) plutôt que de tout miser sur la captation.
La circulaire la plus efficace : apprendre par le faire. Commencer par une journée laboratoire, puis un week-end, puis une semaine. Ajuster à chaque fois. S’inspirer d’autres expériences – en Bretagne, en Occitanie, en Île-de-France – via des retours d’initiatives proches, sans chercher à copier-coller. L’important est d’adapter le cœur battant du modèle : l’événement culturel comme moment de fabrication partagée.
Pour nourrir la veille et élargir l’horizon, des ressources utiles existent, à l’image d’analyses et de carnets de route publiés pour des dynamiques théâtrales à Port-Vendres. La comparaison n’est pas une compétition : c’est une bibliothèque d’idées où piocher. Certaines équipes privilégieront l’impro, d’autres le texte. Les objectifs diffèrent, l’appétit du public aussi. Mais le principe de base reste stable : soigner l’invitation, débroussailler le chemin d’accès, et garantir que chaque spectateur trouve un point d’entrée.
Et parce que la logistique compte autant que l’affiche, il faut s’autoriser une ingénierie légère : billetterie simple, accueil chaleureux, outils de médiation clairs (feuilles de salle digestes, présentations courtes, signalétique lisible). Le « modèle Châtillon » rappelle que l’exigence formelle peut s’accommoder de moyens raisonnables. On n’a pas besoin d’une armée de projecteurs pour faire entendre une réplique bien écrite.
Au bout du compte, ce qui se réplique, ce n’est pas un cahier des charges figé, c’est une grammaire : la confiance dans la curiosité du public, la fierté d’une commune à écrire son récit, et une façon généreuse d’habiter la scène. À qui se demande si cela « peut marcher chez nous », la meilleure réponse est une question : avez-vous envie de partager le travail autant que le résultat ? Si oui, vous tenez déjà la clé.
Quelle est la singularité du festival de théâtre contemporain amateur de Châtillon-sur-Chalaronne ?
Il met la fabrication au cœur du rendez-vous : lectures, répétitions ouvertes et rencontres directes entre troupes amateurs et auteur·rices. Le public n’est pas simple spectateur ; il participe à une expérience de spectacle vivant qui éclaire l’art dramatique de l’intérieur.
Comment les textes sont-ils choisis ?
Les équipes favorisent des écritures contemporaines accessibles sans simplisme, en équilibrant textes dialogués, formes documentaires et créations de plateau. Les rencontres avec les auteur·rices aident les troupes à affiner leurs choix.
Peut-on s’inspirer de ce modèle dans une autre commune ?
Oui. Commencez par une journée laboratoire : lectures, courte répétition ouverte, bord de plateau convivial. Cartographiez vos forces locales, invitez un·e auteur·rice et documentez le processus. Ajustez ensuite vers un format week-end, puis une semaine.
Où trouver des informations pratiques et historiques ?
Des ressources en ligne proposent des repères, notamment un guide dédié au festival de Châtillon et des panoramas de festivals de théâtre contemporain en France, utiles pour comparer et s’inspirer.
Quel est le lien entre l’édition 38 et la perspective des 40 ans ?
L’édition 38 (mi-mai) a ravivé les fondamentaux : lectures, rencontres et répétitions ouvertes. Elle a préparé l’étape symbolique des 40 ans où la transmission intergénérationnelle et le dialogue des écritures guideront la programmation.
