Dijon célèbre le théâtre contemporain avec « La Guerre n’a pas un visage de femme »

Une ville se reconnaît au bruit des pas qu’on y entend le soir. À Dijon, ces jours-ci, on marche vers les théâtres. Le rendez-vous a un nom qui claque autant qu’il cueille à la gorge : La Guerre n’a pas un visage de femme. Adaptée du livre de Svetlana Alexievitch par Julie Deliquet, la pièce de théâtre frappe par sa forme chorale et sa façon de donner au présent la vibration d’un direct. Dix comédiennes emportent les souvenirs de combattantes soviétiques comme on porte les vivants sur ses épaules. On en sort avec la sensation qu’un autre récit de la guerre est possible, où la place des femmes et guerre n’est plus une note de bas de page mais la ligne principale.

Dans la capitale des ducs, l’actualité culturelle est à l’unisson : la ville célèbre un événement culturel qui dépasse l’effet d’annonce. On parle d’une expérience, pas d’un simple spectacle. Les arts de la scène y sont convoqués comme une science délicate du vrai, avec une compagnie théâtrale à l’écoute du souffle, des silences et des détails qui font basculer un récit. Une étudiante en histoire de l’Université de Bourgogne, Lina, nous a soufflé ceci à l’entracte : “Je croyais venir voir la Seconde Guerre mondiale. J’ai vu mon présent.” Ce qui suit suit ses pas, en ville et sur scène, pour saisir comment Dijon fait du théâtre contemporain une affaire de cœur, de mémoire et de futur.

La Guerre n’a pas un visage de femme à Dijon : un théâtre contemporain qui parle au présent

Lina, sac en bandoulière et carnet de notes prêt à tout, s’installe au premier rang. Le geste est simple, la promesse immense : entendre des voix d’archives résonner dans la chair du plateau. Ce que propose La Guerre n’a pas un visage de femme, à Dijon, c’est un art du présent, une façon de faire entendre des témoignages comme s’ils étaient dits pour la première fois. On n’est pas dans la reconstitution froide, mais dans l’incandescence d’un direct.

La mise en scène de Julie Deliquet a choisi la polyphonie. Les dix interprètes se passent le relais des mots, des images, des odeurs. Un bout de pain, une mèche de cheveux, un uniforme raccommodé, et la pièce de théâtre devient laboratoire d’humanité. C’est le moteur du théâtre contemporain : un regard qui n’imite pas, qui assemble, qui questionne le public autant que l’histoire officielle. Lina griffonne : “Chœur = courage partagé.” Elle n’a pas tort. On entend la fraternité, et l’on devine la fatigue, aussi.

Dans ce choix choral, Dijon trouve une manière de saluer les arts vivants : le texte n’est pas roi, il est démocratisé par les corps et les rythmes. Ce geste rappelle d’autres aventures scéniques, telles que un travail sur les corps à Strasbourg qui a lui aussi exploré les zones sensibles de la mémoire. La filiation n’est pas décorative, elle explique pourquoi, ici, le public respire au même tempo que les comédiennes.

Lina, en spectatrice curieuse, va plus loin. Elle aligne ce qu’elle ressent, comme une mini-cartographie du plateau. Les éléments scéniques ne sont pas là pour “faire joli”, ils organisent un passage du réel à la scène. Il y a des sièges, une table, un micro, une lampe : autant de complices.

• Polyphonie : multiplier les voix pour désindividualiser la souffrance et collectiviser la bravoure.
• Objets quotidiens : faire trembler le grand récit par les détails domestiques.
• Temporalité fragmentée : juxtaposer hier et aujourd’hui et rappeler que la mémoire n’est jamais linéaire.
• Adresse au public : briser le quatrième mur pour faire du témoignage une conversation.
• Musique discrète : laisser les silences et les respirations frapper plus fort qu’un effet sonore appuyé.

On peut mesurer la force du dispositif en regard de dynamiques semblables dans d’autres territoires, par exemple via les initiatives de théâtre contemporain à Sarrebourg, qui misent aussi sur l’écoute et l’oralité. C’est une manière de dire que Dijon ne joue pas seul, mais à l’échelle d’un archipel de scènes en France.

Élément scénique	Effet éprouvé	Commentaire de Lina
Chœur d’actrices	Élan collectif	“La peur diminue quand elles respirent ensemble.”
Objets du quotidien	Intimité	“Un bol ébréché dit plus qu’un tank.”
Lumière rasante	Tension	“Le passé est juste à côté, il coupe la salle en deux.”
Micro en direct	Véracité	“J’ai l’impression d’être témoin crédible.”

Un événement culturel dijonnais qui dépasse la seule représentation

L’intérêt local, disons-le, n’est pas un vernis. La ville fait vibrer tout un réseau d’acteurs : médiation, ateliers, rencontres. Lina a repéré des passerelles avec des projets hors région, comme l’histoire du théâtre à Commercy, témoignant d’une longue tradition d’expérimentation. À l’échelle d’un territoire, la circulation des idées et des pratiques rend la scène plus poreuse au monde.

Au bout du compte, ce premier regard retient une conviction : quand le théâtre écoute précisément, le public répond précisément. C’est la meilleure façon de parler au présent.

Femmes, guerres et mémoires vivantes : de l’URSS à aujourd’hui sur une scène de Dijon

La force du spectacle est de faire entendre la multiplicité des conflits sans perdre son fil. Lina note trois strates : la Grande Guerre patriotique, l’Afghanistan, Tchernobyl. Les époques se frottent, laissant paraître un même motif : comment vivre après avoir vécu l’impensable. Cette pièce de théâtre ne sacrifie pas au grand récit national ; elle met l’accent sur les gestes, les hésitations, les souvenirs qu’on n’ose pas dire à table.

On oublie souvent le retour. Elles ont combattu, puis elles sont rentrées, parfois accueillies par la suspicion. La scène dijonnaise traduit ce paradoxe par des silences soutenus, des regards à peine décalés. Le spectateur n’est pas sommé d’applaudir un héroïsme ; il est invité à cohabiter avec des contradictions. C’est l’éthique du théâtre contemporain : accepter l’inconfort quand il dit mieux le vrai.

La question brûlante de 2025 est là, sous nos yeux. Les nouvelles nous rappellent que les lignes de front existent encore. Que peut l’art ? Ici, il peut articuler : relier des trajectoires singulières pour éclairer le présent. En écho, d’autres créations creusent des sillons comparables, telles que Les Crapauds fous de Mélody Mourey, qui mêlent drame historique et urgence éthique.

Pour Lina, l’architecture du récit passe par des questions directes. Elle se fabrique un pense-bête, comme une boussole pour l’après-spectacle.

• Pourquoi la mémoire des femmes revient-elle par fragments et non par épopée ?
• Comment dire sans réactiver la blessure, et faut-il seulement l’éviter ?
• Qu’apporte la scène que n’apporte pas l’archive brute ?
• En quoi ces récits déplacent-ils notre regard sur les conflits actuels ?
• Qui transmettra ces voix demain, et avec quels outils ?

Les réponses ne sont pas livrées clés en main. Mais la scène propose des appuis : la précision des mots, la délicatesse des adresses, la musicalité des respirations. Dijon accueille ici un événement culturel qui tient autant du rituel que du débat public. À la sortie, des discussions s’ouvrent spontanément, preuve que le spectacle a fait circuler plus que des émotions : des idées, des hypothèses, des manières d’être ensemble.

Période évoquée	Angle féminin	Question soulevée
Seconde Guerre mondiale	Combat et soin entremêlés	Le courage est-il différent quand on doit aussi nourrir, soigner, protéger ?
Guerre d’Afghanistan	Héritage des luttes précédentes	Comment la mémoire collective se transmet-elle aux nouvelles recrues ?
Accident de Tchernobyl	Invisible du danger	Comment raconter ce qu’on ne peut ni voir ni saisir ?

La scène comme archive sensible

Lina, qui adore lire des témoignages, le sait : l’archive n’a pas de voix. La scène lui en prête une. C’est dans cette vibration que l’œuvre touche, au-delà de la documentation. Ceux qui souhaitent prolonger peuvent regarder des approches voisines et exigeantes, comme Yvonne, princesse de Bourgogne, qui détourne les codes pour mieux révéler la violence sociale. Changer de prisme, souvent, c’est mieux comprendre l’objet initial.

La vidéo ci-dessus permet de sentir l’exigence d’un tel travail : l’oralité se fabrique, la justesse se sculpte. On comprend pourquoi, à Dijon, le public reste au bord de son siège. On n’écoute pas seulement une histoire ; on apprend à écouter l’autre.

Une compagnie théâtrale à hauteur d’humain : direction d’actrices, scénographie et musique

On pourrait tout dire de la mise en scène en racontant une répétition. Lina y a jeté un œil, invitée par une amie régisseuse. Le plateau ressemble à une carte mentale : rubans adhésifs pour marquer les entrées, notes multicolores sur un pupitre, partitions de souffle partagées entre les interprètes. Cette précision n’est pas de la manie, c’est une méthode : créer de l’espace pour que les émotions puissent circuler sans étourdir le public.

La compagnie théâtrale a conçu un geste scénique qui conjugue adresse frontale et écoute interne. Les comédiennes apprennent à “tenir” l’histoire en se tenant les unes les autres, littéralement parfois, métaphoriquement toujours. Le spectateur, placé dans ce courant, perçoit l’éthique du soin. Ce n’est pas une pièce sur le soin ; c’est une pièce qui soigne l’histoire par ses biais, ses plis, ses respirations.

La scénographie, volontairement sobre, est une stratégie. Quand le décor se fait discret, la mémoire peut occuper la place. Un micro, une lampe, un banc : l’équipement d’une enquête. Les détails deviennent des pivots dramaturgiques, comme dans une troupe amateur à Gourin qui travaille la précision des accessoires pour nourrir la fiction. La leçon est nette : l’économie de moyens peut élargir l’imaginaire.

Côté musique, rien d’envahissant. On parle de fréquences, de nappes presque imperceptibles, de silences composés. La musique est là pour tenir le fil, jamais pour imposer un sentiment. Dans ce dialogue son-lumière, la parole passe d’une voix à l’autre, comme les torches dans une course de relais. Lina, au fond, entend une orchestration discrète où chaque souffle a sa mesure.

• Chorégraphie des regards : fixer, fuir, revenir pour moduler l’intensité.
• Objets-signaux : accessoires minimaux qui changent de sens selon qui les tient.
• Respiration collective : écrire le rythme du texte avec le corps.
• Lumière à bas niveau : encourager l’imagination du public.
• Écoute en plateau : adapter le tempo aux réactions de la salle.

Composant	Choix artistique	Impact sensible
Scénographie	Minimalisme narratif	Libère l’attention pour les voix et l’adresse.
Interprétation	Chœur mouvant	Crée de l’empathie partagée, dilue le pathos.
Son	Silences composés	Permet au public de faire résonner sa propre histoire.
Lumière	Ambre et clair-obscur	Installe une intimité vigilante.

Échos et voisinages esthétiques

Le spectacle se situe dans une constellation. On peut le rapprocher d’expériences qui interrogent la trace et la présence, comme un travail sur les corps à Strasbourg, ou de fables grinçantes telles que Yvonne, princesse de Bourgogne, pour observer comment une scène construit son propre langage. Lina le résume ainsi : “Chaque spectacle invente sa grammaire, mais on reconnaît une famille.” À Dijon, cette famille a le goût des récits qui s’inventent avec le public.

La conséquence est simple : on ressort avec une boîte à outils. À chacun de l’ouvrir dans son quotidien.

Dijon en mouvement : vivre l’événement culturel autour du spectacle et tisser des parcours

Aller au théâtre, c’est rarement faire un aller-retour. Lina a pris l’habitude de composer des “journées-scènes”, où elle tisse une trame avec d’autres rendez-vous de l’actualité culturelle de Dijon. Cette semaine-là, elle note des lectures pour enfants, une proposition plus classique, des ateliers. Le spectacle devient prétexte à se laisser mener par la main dans la ville.

Le calendrier s’y prête. Un mercredi, des bénévoles lisent des histoires aux plus jeunes ; le lendemain, une héroïne venue d’ailleurs prend vie sur un plateau ; le vendredi, des bébés découvrent le rythme des mots. Cela n’a rien d’anecdotique : la circulation entre âges et formes construit une culture partagée. On entre dans les arts de la scène à tout moment de la vie, par n’importe quelle porte.

Ces passerelles existent aussi à l’échelle régionale et nationale. On peut s’inspirer d’autres villes pour nourrir ses envies : voir des scènes contemporaines à Saint-Gengoux, explorer la création partagée à Dompierre ou s’offrir une soirée théâtre à Saint-Avold. Ces liens ne sont pas des détours : ils montrent que l’énergie du plateau circule et que Dijon s’y branche avec intelligence.

• Avant la représentation : un café près du théâtre pour feuilleter le programme et repérer les médiations.
• Pendant : une écoute active, un mot noté, un geste remarqué, pour partager ensuite.
• Après : rester au bar du théâtre pour discuter avec inconnus et amis, c’est le plus court chemin vers l’analyse collective.
• En famille : associer une lecture jeunesse à la sortie, histoire d’ouvrir à tous les âges.
• Comparaisons : piocher des références auprès d’autres scènes, à Sarrebourg notamment, pour élargir la palette des regards.

Date	Activité	Où à Dijon	Public
3 déc.	Lire et faire lire — histoires racontées par des bénévoles	Médiathèque ou salle partenaire	Enfants, familles
4 déc.	“Impeccable” — héroïne en exil et quête d’identité	Scène dijonnaise	Ados, adultes
5 déc.	Racontines — lectures 0-3 ans	Espace jeunesse	Tout-petits, parents
Semaine	La Guerre n’a pas un visage de femme — chœur documentaire	Théâtre Dijon Bourgogne	Grand public

Cartographier son parcours de spectateur

Pour Lina, la clé est de s’offrir un rythme. Voir un spectacle, laisser reposer, revenir au théâtre quelques jours plus tard : un cycle qui favorise la maturation. Elle s’amuse à cocher des cases comme on coche un carnet de voyage. Et s’il reste du temps, elle file découvrir ailleurs des propositions cousines, parmi lesquelles l’histoire du théâtre à Commercy, parce qu’un détour par l’histoire affine toujours la perception du présent.

La ville répond à l’enthousiasme par des propositions accessibles. On n’a pas besoin d’être spécialiste pour apprécier : on a seulement besoin d’avoir envie. Ce soir, cette envie s’appelle tout simplement “retourner écouter”.

Transmettre et comprendre : ateliers, ressources et prolongements autour de la pièce de théâtre

Une œuvre qui marque donne envie d’apprendre. Lina, qui anime parfois des ateliers en lycée, a listé des ressources pour prolonger le dialogue. L’idée n’est pas de “faire cours”, mais de créer des situations d’écoute, des moments où les élèves, les familles, les amateurs, peuvent s’approprier les récits. Dijon a l’avantage de disposer d’une tradition de médiation ; on peut s’y adosser pour imaginer des formats agiles.

Premier axe, l’oralité. On peut proposer des séances de lecture à voix haute, où chacun porte un fragment de témoignage et travaille sa respiration. Les jeunes adorent quand on leur confie une responsabilité scénique : tenir le silence, passer la parole, choisir une lumière. Des projets existent pour guider ces élans, par exemple un projet « Conter fleurette » avec des ados, très utile pour bâtir un espace bienveillant où la parole circule.

Deuxième axe, la comparaison des formes. Mettre en regard un théâtre documentaire et une fable plus absurde offre aux participants une boussole critique. Ici, on peut solliciter la curiosité avec Yvonne, princesse de Bourgogne et demander : qu’est-ce qui change quand on raconte par le décalage ? La réponse n’est jamais la même, et c’est très bien ainsi.

Troisième axe, l’ancrage territorial. On peut relier le spectacle dijonnais à d’autres expériences pour montrer la pluralité des chemins. De Saint-Gengoux à Dompierre, en passant par Saint-Avold, des scènes tissent des liens entre mémoire et présent. Cette circulation donne envie d’entreprendre, parfois même de monter sa propre lecture publique, comme l’a fait une troupe amateur à Gourin.

• Atelier voix : articulation, souffle, mise en espace d’un témoignage bref.
• Écriture : journal de spectateur, retour d’impression, carte émotionnelle.
• Comparaison : un spectacle documentaire, un spectacle absurde, une discussion cadrée.
• Rencontre : inviter une comédienne, un régisseur, une médiatrice pour décrypter les choix.
• Création : mini-forme chorale de 10 minutes, présentée dans une salle de classe ou une médiathèque.

Ressource	Objectif	Lien utile
Atelier ados	Libérer la parole et structurer l’écoute	Conter fleurette
Références historiques	Contextualiser les témoignages	Repères scéniques à Commercy
Parallèles esthétiques	Exercer le regard critique	Comparer avec Gombrowicz
Réseau de scènes	Étendre l’horizon	Voir aussi Sarrebourg

Outils numériques pour prolonger l’écoute

La vidéo est une alliée. Une recherche rapide donne accès à des entretiens et analyses qui aident à replacer le spectacle dans un paysage plus vaste. Regarder, puis revenir aux notes prises pendant la représentation, c’est souvent là que la compréhension fait un bond.

Lina referme son carnet comme on referme un roman : en sachant qu’on y retournera. À Dijon, le théâtre ne s’arrête pas à la sortie. Il commence souvent là.

Pourquoi ce spectacle résonne-t-il particulièrement à Dijon ?

Parce que la ville cultive une écoute attentive du théâtre contemporain et articule les propositions scéniques avec des actions de médiation. Le public s’y sent partie prenante : discussions après la représentation, ateliers, passerelles avec d’autres événements font de la salle un véritable espace civique.

Faut-il connaître le livre de Svetlana Alexievitch pour apprécier la pièce ?

Non. L’adaptation donne toutes les clés. Connaître l’ouvrage enrichit l’expérience, mais le chœur d’actrices, l’adresse au public et la clarté dramaturgique suffisent à entrer dans l’œuvre.

À partir de quel âge peut-on venir voir la pièce ?

Le spectacle s’adresse principalement aux adolescents et aux adultes, compte tenu des thématiques. Pour des plus jeunes, des lectures et ateliers spécifiques à Dijon permettent de préparer — ou d’offrir — d’autres premières expériences de théâtre.

Comment prolonger l’expérience après la représentation ?

En tenant un journal de spectateur, en participant à une rencontre, et en explorant des références voisines comme Les Crapauds fous de Mélody Mourey via le lien suivant : https://aleadespossibles.fr/crapauds-fous-melody-mourey/.

Qu’apporte la forme chorale à ce sujet ?

Elle évite l’isolement héroïque, rend la parole collective et fait entendre les nuances. On écoute des femmes qui se relaient, se contredisent parfois, et c’est dans cette polyphonie que le réel prend sa densité.